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Antiguas influencias

Influencia del pasado / No Comment / 12 junio, 2019

Los ideales griegos y del Renacimiento

Los conceptos de proporción y relación en la composición jugaron un papel importante en el arte y la arquitectura greco-romana, reapareciendo en algunos debates contemporáneos durante la guerra de los “formatos”.

La relación entre los lados mayores y menores del rectángulo es lo que se denomina la relación de formato de la imagen. Durante muchos años en televisión fue 4:3, muy próxima a la relación que tenía la Academia Americana para los largometrajes cinematográficos. Actualmente se ha incorporado la relación 2,35:1 del cinemascope por medio del formato de pantalla ancha de televisión 16:9, e incluso existe una propuesta de la American Society of Cinematographers para adoptar el formato 2:1 como el más adecuado.

En la antigua Grecia también estuvieron interesados por las proporciones ideales del rectángulo y descubrieron que cuando el resultado de dividir el lado mayor del rectángulo entre el lado menos era igual a 1,618, la relación tenía extraordinarias propiedades aritméticas, algebraicas y geométricas. Los eruditos y pintores del Renacimiento redescubrieron esta relación y Leonardo la llamó la “Proporción Divina”. Posteriormente fue denominada como la “Sección Áurea”. El formato 16:9 de pantalla ancha de televisión está muy próximo a esta proporción deseada.

El equilibrio en la composición utilizando esta proporción gira en torno a la disposición de los elementos visuales principales en las subdivisiones obtenidas al dividir la sección áurea de acuerdo con una fórmula preconcebida.

(El “rectángulo áureo” se obtiene utilizando la diagonal de la mitad de un cuadrado como radio para alargar las dimensiones del mismo. Las proporciones son a:b =c:a y fueron ampliamente utilizadas por los griegos en el diseño arquitectónico y por los pintores y arquitectos del Renacimiento)

Otra norma de composición utilizada en los motivos religiosos del Renacimiento consistía en disponer de la figura principal en el centro del cuadro, equilibrándola a ambos lados con figuras de igual peso.

La disposición de figuras iguales a cada lado de la figura central aumentan la importancia de ésta, pero divide la composición en dos mitades iguales con figuras de igual fuerza que se disputan el interés. Este estilo de equilibrio formal a ambos lados del cuadro contrasta con las tendencias posteriores en la composición, que proporcionan una mayor sensación de movimiento por medio de un diseño visual más dinámico, conduciendo la mirada por el cuadro a través de la línea y la estructura.

La regla de los tercios

El énfasis académico sobre la proporción y relación fue, probablemente, el precursor de la conocida norma de composición denominada “regla de los tercios”. Esta “regla” propone, como punto de partida eficaz para la composición, sitúa  el objeto de interés principal en cualquiera de las cuatro intersecciones producidas por las dos líneas verticales y las dos horizontales situadas a igual distancia de los lados vertical y horizontal del cuadro.

La relación resultante de dividir el cuadro en superficies que representan un tercio y dos tercios del total, es una aproximación muy ajustada ala división de la sección áurea. Estas relaciones se dan tan a menudo en el arte, en la arquitectura y el diseño occidental que prácticamente se han convertido en una norma visual. Las proporciones han sido asimiladas e impuestas de tal manera, que son parecidas a las expectativas en la resolución de una armonía musical para el que la escucha. La composición basada en principios académicos, debido a esta anticipación inconsciente, puede parecer anticuada y estática para aquellos que han experimentado la avalancha de imágenes visuales generadas con la tecnología moderna. Una melodía sencilla repetitiva puede perder rápidamente su atractivo si se escucha continuamente. Las composiciones que no proporcionan sorpresas visuales se “consumen” rápidamente sin necesidad de una segunda evaluación.

Influencia de la fotografía

Después de la invención de la imagen fotográfica, en la década de 1830, la novedad inicial por la precisión en los retratos realistas dio paso a los ensayos en el “arte” fotográfico. Los fotógrafos agrupaban los elementos de acuerdo con la normativa académica del momento, prefiriendo temas y motivos parecidos a los de las pinturas académicas. En sus comienzos, el proceso fotográfico necesitaba tiempos de exposición largos y que el motivo permaneciera rígido e inmóvil para evitar resultados borrosos. El desarrollo de películas con emulsión más rápida permitió captar instantáneas de escenas en la calle. La composición consistía en lo que quedaba recogido de un suceso dentro del cuadro, resultando así composiciones con agrupaciones desequilibradas y dispersas, comparadas con las pinturas que seguían las normas académicas.

Se captaba a las personas en movimiento entrando o saliendo del cuadro, por lo que las imágenes resultantes eran muy distintas de las obtenidas a partir de grupos que posaban pacientemente, utilizando película de exposición prolongada. El carácter de espontaneidad en la composición de estas instantáneas fue considerado por muchos más realista y natural que las disposiciones inmóviles del estudio. La sensación de movimiento que producían las personas que aparecían en el borde del cuadro atrajo a los pintores.

Cuando el cuadro corta una figura se produce la sensación de que el encuadre es arbitrario, que la escena continúa y que el cuadro corta en ese punto una parte del suceso por casualidad. El carácter de espontaneidad en los bordes era realmente arbitrario en muchas instantáneas, aunque había sido utilizado siglos antes como un instrumento intencionado en la composición en los relieves de Donattelo, en los cuadros de Mantega y como un elemento de diseño apreciado en la pintura japonesa.

En la retransmisión de un evento en exteriores el espectador puede advertir que se presentan partes seleccionadas del mismo acercar el encuadre con el zoom, para proporcionar una información más detallada, o al alejarlo, para incluir una visión más amplia del evento televisado.

La fotografía ha desarrollado un estilo de composición para el encuadre instantáneo de situaciones cotidianas. Las imágenes con movimiento interrumpido, “cuadro congelado” más efectivas, utilizan la tensión que proporcionan los personajes que se mueven con independencia unos de otros (con frecuencia en los bordes del cuadro) en oposición a su entorno, La “espontaneidad” que transmiten las imágenes publicitarias es una estratagema empleada cuidadosamente para utilizar las situaciones que ocurren de forma natural e intentar presentarlas con sencillez y naturalidad. La sofisticada técnica utilizada para crear una imagen no planeada, aparentemente accidental, dista mucho de las instantáneas típicas de las “vacaciones”, en las que se encuadra una situación al azar y raras veces se obtiene un positivo con el impacto estudiado de la imagen realizada por un fotógrafo experimentado. La característica de la “espontaneidad” en una composición contiene, por tanto, muchas estratagemas convencionales que un fotógrafo experimentado puede emplear y explotar.

Al copiar las fotografías de mediados del siglo XIX, los artistas , de acuerdo con los postulados académicos de la composición, intentaron corregir la falta de orden, de naturalidad y lógica pictórica de las instantáneas. La distorsión de la perspectiva que en ocasiones proporciona una fuerza especial a las instantáneas, y las casualidades en la composición fueron subsanados por los pintores al plasmar las fotografías en sus cuadros. A Degas le atrajo el estilo de las “instantáneas” cuyos fundamentos no tenían un estilo reconocido. Degas pudo apreciar que “la ausencia de estilo” en la composición de las instantáneas debía su vitalidad a la carencia de agrupaciones convencionales, dándole respetabilidad artística al utilizar, en muchas de sus pinturas, las características del encuadre arbitrario y la perspectiva de las fotografías con tiempos de exposición cortos.

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